会馆开戏啦！古建变身沉浸式剧场，老戏新演引爆文化破圈潮

人间烟火事2025年12月05日 13:51消息，古建会馆变身沉浸式剧场，传统戏曲创新演绎，引爆文化破圈热潮。

　　 北京湖广会馆游园会活动现场。资料图片

　　 “不到园林，怎知春色如许！”——当昆曲《牡丹亭·游园》的婉转唱腔在湖广会馆百年戏楼中响起，水袖轻扬、檀板轻敲，历史与当下在雕梁画栋间悄然重叠。这不是复刻式的怀旧展演，而是一场以古建为容器、以戏曲为媒介、以当代观众为对话对象的鲜活实践。

　　 观众席上，大学生小胡（化名）手指随节拍在膝头轻叩。这是她第一次走进“会馆有戏”现场，也是她第一次在没有升降台、追光灯和扩音系统的老戏楼里，听清每一个咬字、看清每一处眼神。“原来‘雅’不是疏离，是近得能听见演员换气的声音。”她的感叹，道出了许多首次观演者的真实触动——文物空间的物理限制，反而成全了艺术表达的本真性与感染力。

　　 自9月10日启幕以来，以“会馆传韵·戏聚新声”为主题的2025年北京西城区“会馆有戏”系列活动，已持续为市民奉上3个月的文化盛宴。值得强调的是，这并非一场短期节庆式活动，而是西城区系统推进文物活化利用的阶段性成果展示，其背后是长达数年的空间评估、院团对接、技术适配与制度磨合。三个月的密集演出，实则是多年政策沉淀后的集中释放。

　　 作为北京市推动文物活化的重要举措，“会馆有戏”正探索出一条古建保护与戏曲传承相结合的新路径。尤为可贵的是，它跳出了“修旧如旧即保护”的惯性思维，将“使用即保护、活用即传承”真正落地——让古建筑在真实的人文使用中保持呼吸感，而非封存于玻璃罩中仅供瞻仰。

　　 古建新生：从历史沉淀到文化地标

　　 近日，随着铿锵锣鼓与悠扬皮黄声起，北京京剧院经典剧目《乌龙院》登上湖广会馆百年古戏楼。没有炫目的舞美，却靠一招一式、一字一腔令满堂喝彩。一位白发老戏迷连看三场后感慨：“这才是老戏楼该有的味道——人声盖过音响，眼神压过灯光。”

　　 “这正是‘会馆有戏’系列活动的要义——以‘演’为核心，以‘一馆一策’为原则，精准匹配古建筑空间特质与艺术门类。”西城区委宣传部副部长杜宇琛说。这一提法看似简明，实则极具操作难度：每处会馆建筑形制、承重结构、声学条件、消防通道均不相同，所谓“一馆一策”，意味着每一次演出方案都是定制化工程，背后是文物专家、舞台技术人员、院团导演三方数十轮实地勘测与反复推演。

　　 活动聚合院团、会馆两大核心演艺要素，联动湖广会馆、正乙祠戏楼、安徽会馆、报国寺文化园、福州新馆、梨园公会、梅兰芳祖居7处文化地标，携手北京京剧院、北方昆曲剧院、中国评剧院等12家专业院团，涵盖京剧、昆曲、评剧、北京曲剧、越剧、曲艺、木偶、河北梆子、沉浸式演出等12种艺术形式，推出120场演出及活动。数字背后，是文化资源从“条块分割”走向“协同调度”的治理能力提升——过去各会馆各自为政、院团演出排期难协调的局面，正在被统一策划、分层执行的新机制所替代。

　　 “在老建筑里，舞台空间有限，也没有现成的灯光音响设备，每一场演出都要精心布置，同时还要尽可能避免对建筑本体的损坏。”中国文物学会会馆专业委员会主任、北京湖广会馆负责人王学伟坦言。这种“戴着镣铐跳舞”的约束，恰恰倒逼出创新：比如采用磁吸式微型LED灯带替代传统吊杆布光；用可拆卸榫卯结构搭建临时乐池；甚至为保护清代地砖，在演员靴底加装特制软垫。文物保护不是拒绝技术，而是以敬畏之心遴选技术——这点在“会馆有戏”中体现得尤为清醒。

　　 像湖广会馆里的大戏楼，有着两百余年的历史，许多梨园名流如梅兰芳、谭鑫培等都曾在此登台献艺，见证了戏曲的发展和京剧的形成。但作为国家级文物保护单位，大部分硬件要保持原貌、不可移动或拆除，限制了舞台表现形式和演出规模。值得深思的是，这种“限制”正在被重新定义：它不再是发展的障碍，而成为艺术表达的语法——小空间催生细腻表演，无扩音倒逼气息控制，木构声场天然塑造温润音色。传统戏曲的美学基因，恰在这些“不得已”中获得返本开新之机。

　　 为此，湖广会馆积极探索文物活化与现代艺术形式的融合。2024年推出沉浸式剧目《湖光洄梦》，2025年推出沉浸式音乐剧《金风玉露》，打造后台、舞台、观众席、戏楼前院、文昌阁前院“三台两院”演艺新空间，以“融戏于景、戏景相融”的全新形式呈现，成为文化新地标。需要指出的是，这些沉浸式创作并非简单叠加VR或投影技术，而是立足建筑原有格局，通过动线设计、角色调度与观演关系重构，让观众从“旁观者”变为“在场者”。这种基于空间逻辑的创新，比技术堆砌更具可持续性与文化辨识度。

　　 王学伟说：“今年湖广会馆共推出300多场演出，希望更多的人走进会馆，感受优秀传统文化的魅力。”300场的背后，是常态化运营机制的初步成型——从“节日式供给”转向“日常化浸润”，标志着“会馆有戏”已迈出从活动品牌向文化生态转型的关键一步。

　　 戏剧传承：从舞台演出到生活体验

　　 “会馆有戏”不仅保护、盘活了古建筑，也为戏曲传承发展提供了新平台。更准确地说，它正在重塑戏曲的传播语境：不再仅靠进校园、进社区的单向普及，而是通过空间赋能，让年轻人主动走进来、留下来、再回来。

　　 夜幕降临，有着300余年历史的正乙祠古戏楼内，灯光摇曳。北方昆曲剧院的4位中国戏剧梅花奖得主——袁国良、顾卫英、刘巍、魏春荣同台献艺，上演“会馆有戏”系列活动中的一场《古祠赏梅》。当四位顶尖艺术家在不足百平米的戏台上完成高密度身段调度与情感传递时，观众席前三排的年轻人几乎屏住呼吸——这种“零距观演”带来的震撼，远超任何短视频片段所能承载。

　　 “始建于清康熙年间的正乙祠古戏楼，有‘中国戏楼活化石’之称，其木质结构与雕花窗棂藏着百年戏曲记忆。”正乙祠相关负责人介绍，仅11月份，正乙祠戏楼就有12场演出，其中9场是昆曲。高频次、高密度、高水准的昆曲演出安排，并非偶然为之，而是基于对空间声学特性与剧种审美契合度的科学判断——正乙祠的木质共振腔体，天然适合昆曲水磨腔的绵长韵味。这种“空间—剧种”的精准匹配，体现了文化活动从经验驱动向数据支撑、专业研判的升级。

　　 会馆场地小，观众与演员近在咫尺，演员表演面临巨大挑战。一些会馆的演出现场没有划分“表演区”和“观看区”，观众与演员一同在演出场景中，拉近了距离。北方昆曲剧院国家一级演员张媛媛说，在会馆老戏楼表演与在大剧院是两种截然不同的体验——“在这里，演员能感受到观众的呼吸和细微反应”。正因如此，参与“会馆有戏”的演员都是业内的顶尖者。这提醒我们：小剧场不是大剧场的简化版，而是对演员综合素养提出更高要求的专业场域。所谓“传承”，既在口传心授，更在真实舞台压力下的千锤百炼。

　　 “会馆有戏”的沉浸体验不止于戏剧表演。面向孩子的原创儿童剧《寻找唐诗》《兔儿爷传奇》等，则将北京城建造传说、古典诗词、中秋民俗巧妙融入剧情和游戏中。尤为值得肯定的是，这类创作摒弃了常见的说教套路，以游戏化叙事降低理解门槛，用角色代入激发文化认同——传统文化教育，终究要落脚于孩子愿意参与、乐于重复、主动讲述的具体行动中。

　　 今年湖广会馆与北方昆曲剧院合作，每周日下午推出沉浸式互动儿童戏曲《西游记·美猴王》驻场演出，受到孩子们的喜爱。驻场模式的意义在于，它打破了“一次性消费”逻辑，培育稳定观演习惯与社群黏性。当一个孩子连续八周出现在同一戏楼、记住不同角色的名字、甚至能模仿几句念白时，文化传承便完成了从“看见”到“拥有”的质变。

　　 票根经济：文化流量转为消费增量

　　 一张小小的票根不仅是观演凭证，更是开启周边消费体验的钥匙。在当前文旅融合纵深推进的背景下，“会馆有戏”对“票根”的功能拓展颇具启示意义：它没有走高价门票路线，而是以公益属性保障普惠性，再以衍生服务提升获得感——这种“基础免费+增值可选”的模式，兼顾公平与活力，值得更多公共文化项目借鉴。

　　 “会馆有戏”实行的是免费预约、公益展演的形式，演出院团和各会馆官方公众号每次发布演出信息，市民的预约留言纷至沓来，演出总是一票难求。热度背后，折射出公众对高品质、近距离、有温度的文化供给的迫切期待。当文化获得感变得具体可感——看得见彩绘梁枋，听得清吐字归韵，摸得到青砖地面——预约抢票便不再是任务，而成为一种生活仪式。

　　 活动通过与一得阁、点绛唇咖啡、中国书店（古籍书店）等多家品牌建立合作，构建起以“票根”为核心的文商旅消费圈。据统计，活动自开展以来，已回收票根2000余张，“活动流量”转化为“消费增量”，文化活动与城市经济相互赋能。需要清醒看待的是，2000张票根对应的不只是消费金额，更是2000次深度停留、潜在的社交传播与长效口碑。这种“慢热型”文化消费，其长期价值远超短期营收数字。

　　 从报国寺文化园的露天庭院，到湖广会馆戏曲博物馆的点绛唇咖啡店，艺术家带来的木偶体验工坊与市民亲身体验的戏曲身法，都让传统文化的芬芳弥漫在城市生活之中。“会馆有戏”用实践创新“演艺+”模式，探索出一条“政策赋能—文化活化—体验升级—全域联动”的文旅融合新路径。这条路径的真正价值，不在于打造几个网红打卡点，而在于证明：老城更新可以不靠大拆大建，文化传承不必依赖宏大叙事，只要尊重历史肌理、激活人的参与、坚持专业精神，厚重的砖瓦之间，自有春风浩荡。